Avant d’aller voir une expo, j’aime bien me renseigner sur les artistes exposés ! Alors plutôt que ça tombe aux oubliettes, je vous ai fait un petit compte-rendu avec un brève présentation de chacun !
Ce n’est pas un récap de l’exposition, mais bien une aide pour mieux la comprendre ! C’est aussi un moyen de vous renseigner sur ces artistes si vous ne les connaissez pas !
Une brève présentation de la Bourse du Commerce (collection Pinault)
La Bourse du Commerce à Paris est un bâtiment historique au cœur de Paris, dans le 1er arrondissement. Réaménagé en 2019 pour devenir un espace d’exposition dédié à la collection d’art contemporain de François Pinault, l’une des collections privées les plus importantes et les plus prestigieuses d’art contemporain au monde, ( Pablo Picasso, Jeff Koons, Cindy Sherman, Takashi Murakami, Urs Fischer, Rudolf Stingel, Pierre Huyghe etc)
Le bâtiment de la Bourse du Commerce offre un espace d’exposition moderne et flexible pour accueillir les œuvres de cette collection, mais aussi des expositions temporaires.
Ces expositions temporaires explorent des thèmes et des approches variés: œuvres individuelles d’artistes émergents ou établis, expo thématiques qui abordent des problématiques actuelles notamment sur la technologie, l’environnement et la politique
C’est un lieu incontournable pour les amateurs d’art contemporain et pour ceux qui souhaitent découvrir les dernières tendances et les artistes les plus importants de la scène actuelle.
Infos pratiques
2 rue de Viarmes, 75001 Paris
Du lundi au dimanche de 11h à 19h
Fermeture le mardi et le 1er mai.
Nocturne le vendredi jusqu’à 21h.
Le premier samedi du mois, nocturne gratuite de 17h à 21h.
Danh Vo
Danh Vo est un artiste danois d’origine vietnamienne qui fait un travail conceptuel qui travaille sur l’identité, la migration et l’histoire. Il utilise des objets trouvés et des documents personnels pour construire des narrations complexes qui interrogent les structures de pouvoir et les classes dominantes !
Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions internationales: Biennale de Venise et à la Documenta de Kassel. Il a été récompensé par plusieurs prix prestigieux, notamment le Golden Lion à la Biennale de Venise en 2011.
Danh Vo est un artiste talentueux qui crée des œuvres complexes, et provocantes. Son travail est largement reconnu et apprécié dans le monde entier.
Pour vous faire une idée sur lui, voici quelques-unes de ses oeuvres !
« We The People » (2011)
Série d’installations qui comprennent des fragments d’une statue monumentale représentant la Liberté aux États-Unis. En décomposant la statue, Danh Vo questionne les valeurs de la démocratie américaine.
« Take My Breath Away » (2012)
Cette installation est un chandelier en cristal de Bohême découpé en morceaux et reconstruit, créant une réflexion sur la vulnérabilité et la fragilité du luxe.
« Cathedral » (2010)
Réplique grandeur nature d’une partie d’une chapelle baroque située en Allemagne, qui qui interroge sur l’histoire et la religion.
« Whole kit and caboodle » (2015)
Cette œuvre regroupe un ensemble d’objets personnels et familiaux( photos, lettres, souvenirs), qui forment une narrative personnelle sur l’histoire et l’identité de l’artiste
Hicham Berrada
Hicham Berrada est un artiste marocain qui vit à Paris, reconnu pour son travail interdisciplinaire explorant les relations entre science et nature. Il utilise souvent des matériaux naturels et s’inspire des procédures scientifiques pour créer des installations poétiques et surréalistes !
Il est également connu pour ses performances live, qui mêlent expérimentation scientifique, poésie visuelle et musique.
Quelques-unes des œuvres les plus marquantes de Hicham Berrada :
- « Les Hydravions » (2010) – installation de plusieurs hydravions qui sont remplis avec des produits chimiques et reliés par des tubes. Les hydravions produisent des réactions chimiques qui produisent elles-mêmes des formes organiques étonnantes dans l’air, explorant les relations entre science et nature.
- « Cyanotype » (2011) – réflexion sur la transformation de la lumière en image, à travers l’utilisation de la technique de cyanotype, technique photographique alternative qui utilise des produits chimiques sensibles à la lumière pour créer des images bleues ou cyan.
- « L’Expérience des Limites » (2013) – performance live qui est une expérience scientifique dans laquelle Hicham Berrada utilise des produits chimiques pour créer des réactions lumineuses et colorées sur scène. La performance est accompagnée de musique live et de narration, créant une expérience immersive pour le public.
- « Lumières d’Écoulement » (2015) – système de fluides en écoulement qui produisent des réactions, interrogeant les relations entre science et art.
Diana Thater
Diana Thater est une artiste américaine qui travaille la vidéo, la lumière et l’installation en utilisant souvent des images de la nature et de la vie animale.
Une de ses œuvres les plus connues est « The Sympathetic Imagination » (1999), vidéo en boucle qui montre des images de gorilles dans leur habitat naturel, accompagnées d’une bande sonore d’appels de gorilles. Cette œuvre invite le public à réfléchir aux liens entre les êtres humains et les autres formes de vie dans le monde.
« Knots + Surfaces » (1992), utilise des images de calcédoine, une pierre semi-précieuse, pour mettre en oeuvre les relations entre les formes géométriques et la nature, et « DolphinTanks » (1993), une installation qui utilise des images de dauphins dans leur habitat naturel pour explorer les relations entre la technologie et la nature.
Ses installations invitent le public à réfléchir à la place de l’homme dans le monde naturel et à la manière dont nous pouvons mieux comprendre et respecter notre environnement.
Pierre Huyghe
Pierre Huyghe est un artiste français qui travaille dans diverses formes d’art, notamment la vidéo, l’installation, la performance et la photographie. Il est connu pour ses œuvres qui explorent les questions de temps, d’histoire, d’identité et d’environnement, souvent en utilisant des images de la nature et de la vie animale.
Une de ses œuvres les plus connues est « Annlee » (1999-2002), une installation de vidéo qui montre un personnage de manga japonais, Annlee, errant dans un monde abandonné. L’installation interroge la nature de la réalité et de la fiction, ainsi que les relations entre la technologie, la culture populaire et l’identité personnelle.
En général, l’art de Pierre Huyghe est connu pour son approche questionnante et poétique de la réalité et de la fiction. Ses œuvres invitent le public à réfléchir aux complexités de la vie moderne et à la manière dont nous pouvons mieux comprendre et apprécier notre environnement.
Robert Gober
Robert Gober est un artiste américain qui aborde la religion, la politique, la sexualité et l’identité.
Il est particulièrement connu pour ses sculptures de plomberie, qui sont souvent considérées comme des commentaires sur la société américaine et les valeurs traditionnelles. Par exemple, dans l’œuvre « Sink with Two Holes » (1989), Gober utilise une évacuation de lavabo pour interroger les notions de genre et de sexualité.
« The Heart is Not a Metaphor » (2008) est une installation de pièces de musée réarrangées qui montrent comment les différentes religions considèrent le cœur comme un symbole d’amour, de spiritualité et de sacrifice.
Lucas Arruda
Lucas Arruda est un artiste peintre abstrait brésilien. Il a étudié à l’École des Beaux-Arts de São Paulo et a commencé à exposer ses peintures en 2006.
Arruda se concentre sur la nature et le paysage, et ses peintures reflètent souvent les textures et les couleurs de la forêt tropicale brésilienne. Ses tableaux sont souvent décrits comme des méditations sur la nature et l’environnement, et ils sont remplis de couleurs vives et de textures complexes qui suggèrent une profonde connexion à la terre et aux éléments naturels.
L’art de Lucas Arruda est souvent comparé à l’abstraction lyrique, qui se concentre sur l’expression émotionnelle plutôt que sur la représentation réaliste. Ses peintures sont élégantes et poétiques, et elles invitent les spectateurs à s’immerger dans des mondes imaginaires de couleurs, de textures et de formes.
Anicka Yi
Anicka Yi est une artiste interdisciplinaire et une écrivaine, née en Corée du Sud et basée à New York. Elle explore la science, la culture et la technologie.
Elle étudie à l’Université de Yale et à l’Université de Berkeley et commence à exposer son travail vers 1990. Elle est considérée comme l’une des pionnières utiliser les théories de la biologie synthétique dans son travail.
Ses œuvres sont conceptuelles et expérimentales. Dans une de ses installations, elle a créé un écosystème fait d’herbes odorantes pour explorer les relations entre les parfums, les aliments et les cultures. Dans un autre projet, elle a travaillé avec des scientifiques pour créer une matière qui changeait de couleur en réponse aux odeurs environnantes.
Anicka Yi utilise souvent des matériaux et des techniques inhabituels pour créer ses œuvres, et elle travaille avec différents corps de métiers : des scientifiques, des chefs , des parfumeurs et d’autres experts pour créer des expériences sensorielles uniques ! C’est vraiment une artiste à l’approche originale.
Parmi ses œuvres, on peut retenir :
- « The Flavor Genome »: installation qui explore les relations entre les aliments, les parfums et les cultures, en utilisant des plantes odorantes pour créer un écosystème autonome.
- « Life Is Cheap »: Cette œuvre, qui a été présentée à la Biennale de Whitney en 2016, explore la vie, la mort, la biologie et leurs relations.
- « Yoghurt Culture »: œuvre utilisant du yogourt comme matériau de base.
- « The Sea Horse »: des chevaux de mer
Les œuvres d’Anicka Yi sont souvent complexes et difficiles à décrire de manière concise, surtout à l’écrit, mais elles offrent une expérience visuelle et sensorielle unique et stimulante.
Alina Szapocznikow
Alina Szapocznikow, artiste polonaise née en 1926 et décédée en 1973, est considérée comme l’une des artistes les plus influentes de l’art conceptuel et minimal des années 60 et 70.
Quelques oeuvres pour vous préparer à l’expo ;
- « Lèvres (Lips) »: Cette série d’œuvres, réalisées entre 1966 et 1970, utilise des moulages en résine de ses propres lèvres pour signifier la sensualité
- « Phallus »: Cette série d’œuvres, créée en 1968, utilise des moulages en résine d’objets phalliques pour explorer les thèmes de la sexualité, du pouvoir et de l’identité.
- « Déformations »: Cette série d’œuvres, créée entre 1970 et 1973, utilise des matériaux tels que la résine, la cire et le silicone pour explorer les thèmes de la transformation, de la métamorphose et de la mémoire.
- « Les Formes de la Douleur »: Cette série d’œuvres, réalisées entre 1970 et 1972, utilise des matériaux tels que la cire, la résine et le métal pour explorer les thèmes de la maladie, de la souffrance et de la mortalité.
Les œuvres d’Alina Szapocznikow abordent souvent des thèmes difficiles et perturbants, mais elles le font de manière poétique et esthétique, offrant ainsi une réflexion sur la condition humaine.
J’espère que cela éclarera un peu vos lanternes avant d’aller voir cette expo !
Il y a d’autres articles sur l’art sur le blog comme celui sur le street art au Japon !